【拉斐爾之夜】
文藝復興三傑之一拉斐爾(Raphael or Sanzio,1483-1520)出生於義大利東北小鎮烏爾比諾(Urbino),父親也是畫家,小拉斐爾在幼時便已流露出絕佳藝術才能。1508年,拉斐爾來到羅馬,接受教宗委託,開始了梵諦岡宮殿內的一系列壁畫製作,這時候他才25歲,而米開朗基羅正開始奮鬥西斯汀禮拜堂天頂畫。
雖是少年得志,但拉斐爾謙虛向學和與人為善的特質,讓他與當代許多傑出藝術家建立深厚情誼,也從前輩達文西(Leonardo da Vinci,1452-1519)和米開朗基羅(Michelangelo,1475-1564)那學習到不少大師技法,例如文藝復興藝術四大技法中,拉斐爾所發展出的『統合法』(Unione)就是結合達文西『暈塗法』(Sfumato)和米開朗基羅『換色法』(Cangiante) 加以調整轉化而成。
因為技法上開創出承先啟後新局面,也是宗教畫明亮光彩之需求使然→如此才能適切讚詠神聖主題,或者又因性情溫和文雅之故,拉斐爾筆下總是色彩盈潤飽滿,比暈塗法更鮮亮飽和,在明暗陰影過度上又比換色法來得形色統一而不至於突兀破碎;畫面也完全體現和諧安寧且優雅的特質。
拉斐爾和學徒們從1508年到1520年間都在梵諦岡繪製濕壁畫(fresco),在一場突如其來的高燒後去世,壁畫交由徒弟們接力於1524年完成。拉斐爾創作的梵諦岡濕壁畫中,《雅典學派》(The School of Athens,1509-1910)名氣最為響亮,被譽為是畫家生平代表作,也是文藝復興時期高度藝術成就之代表。但還有另一幅壁畫讓我深感興趣。
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《解救聖彼得》(Liberation of St Peter,1514)位於梵諦岡教宗宮(Pontifical Palace)二樓伊里奧多羅室(Room of Heliodorus),這個房間原是教宗私人會客室,室內訴說聖經故事的四幅壁畫便源自拉斐爾手筆。
這應該是西方藝術史上,至少就現存畫作中,第一幅採用大膽明快手法,以及強烈明暗對比效果表現夜景的作品,也是第一幅使用光線創作並強調人物神性,即中圖天使神光的畫作。
對力求朦朧暈塗效果的達文西來說,雖是不間斷地研究著光的反射和擴散結構,但他卻始終避免強烈明暗干擾畫面,並利用數十層透明色罩染和研磨得極為細膩的顏料,加上高度耐心,將光線織入背景裡,營造出如夕照般的朦朧擴散光照效果與柔和視覺美感。而且他老人家熱愛研究與發明各類事物,畫畫也只是他的眾多才能之一。
至於原本就以雕刻為志業的米開朗基羅,相較於光影,更專注於人體造型和動態展現,因此在西斯汀禮拜堂天頂畫中,則是採用『換色法』(Cangiante)讓色差和純色表現出陰影,創造出光亮四射,色彩鮮亮的創世紀畫面。
直到文藝復興時期,添加陰影製造出光線效果雖已常見,但夜景畫卻仍少有人投入,多半是拿來使用在基督降生這類主題;何況濕壁畫因為本身施作方式與材質受限,極難製造出反差對比的光影效果。
但生來就是畫家並且只專心畫畫的拉斐爾做到了,《解救聖彼得》這般規模宏偉(寬達6.6公尺)的夜景畫不僅空前,甚至絕後。
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《解救聖彼得》描述耶穌大弟子,被羅馬教會認定是第一任教宗的聖彼得在基督教尚未合法化前,被希律王迫害入獄,即將處刑的前一晚,天使現身劫獄,拯救他落跑的故事。(西元313年君士坦丁大帝頒布『米蘭敕令』後基督教才合法)
拉斐爾採用〝異時同圖法〞,以三個壁面畫出同一事件的三個時段不同場景。按照時間發展順序是中圖→右圖→左圖。
中圖:聖彼得無奈地蜷曲身子窩在牢裡,想說我明明頭上都有光圈了怎麼還被關?突然一陣光亮,天使從天降臨,兩旁士兵這時候被天使賞了一頓好覺(或是被打暈了)。
右圖:閃閃發光的天使牽著聖彼得微涼的小手(?)悠哉地經過睡得天翻地覆,可能正夢見牛排和雞腿正呼喚他的士兵身旁。
左圖:終於有士兵驚醒,忙著跟同伴說犯人已經越獄成功,快點速速抓人,要不然接下來就是我們自己悲劇了…此處拉斐爾以激動不安的士兵動態表現慌亂緊張的氣氛。
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這幅濕壁畫可算是用來裝飾門頭上方的飾板畫,左右場景皆安排階梯,中央高盤如現代攝影網格(grid)效果般的牢獄。如此構圖不僅創新大膽,所創造的效果也相當驚人,可見拉斐爾構圖能力之高超。
夜景呈現另外讓《解救聖彼得》更增添特色。夜景需要光亮去對照暗夜,這兒光源來自好幾個地方:
中圖天使散發強光,發散給眾人。
右圖天使繼續發光,照映在聖彼得和士兵身上,盔甲發出反光。
左圖士兵手中火把和灑落而下的月光都映照在盔甲上。另外若親至現場,尚可感受壁畫下方窗戶流淌進來的室外光。
拉斐爾同時使用來自月亮的自然光和天使的幻想光營造出夜色效果(night effect),並且藉由光影充滿戲劇性的對比強化故事發展的氣氛。這對於同時期或之前仍停留在靜謐安詳氛圍的夜景畫風格可說是開創新局面。
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藝術的演進從來難以脫離歷史自成脈絡,每一種繪畫型態和風格都是經過優秀藝術家們不斷學習、思考、研究、創新而來。如同莫札特,拉斐爾也是英年早逝,然而他的不凡成就,不僅直接或間接地影響後續卡拉瓦喬、林布蘭和維梅爾等人,也讓我們透過他的天賦才能見識藝術家如何完美詮釋故事。
圖片來源 : 網路
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本季數量非常稀少的珍稀羊絨披肩新款,我們在工藝的概念上延續了文藝復興時代以來的Chiaroscuro(明暗對照法)、Sfumato(暈塗法)」等邏輯概念,設計上卻融合了包括歐洲之外的中東或東方風格,我自己看了每一個新款都愛不釋手,想與大家分享,我們真的很用心,希望大家感受得到TAN MAY 的魅力。
2018-19FW 本季的文藝復興概念,創造TAY MAY獨一無二的時尚藝術。
限量款式披肩頂級工藝,值得行家珍藏。
創意總監李佑群老師 Yougun Lee ユウグン リ 本季以「大文藝復興時代」為題,承襲文藝復興時代的藝術,以來自全世界東西方的傳統工藝,打造專屬TAN MAY的全新八款經典設計,各自推出極少量的「珍稀限量款」。其中涵蓋中國水墨渲染、中東民族風情、摩洛哥及巴洛克風格等手工繪畫,並以關鍵技術「頂級工藝數碼噴繪、特殊手工縫接法、植物染料手繪」製作,此外響應環保精神,所有製作技術皆為無廢水污染,無毒環保,更有象徵富貴的牡丹花繪畫創作,打造TAN MAY的高貴品味,成為獨一無二的經典。
文藝復興的藝術精神,以Cangiante(換色法)、Chiaroscuro(明暗對照法)、Sfumato(暈塗法)和Unione(統合法)四種風格迥異的繪畫技法被後世廣為流傳,藝術家利用它們創造美麗的藝術珍品。畫家仔細處理微妙細膩的色彩關係和明暗過渡上,但始終保持古典美倡導的提煉取捨原則,畫面上並沒有面面俱到的繁瑣細節,這種大氣而又精細的風格也體現了畫家的氣度和對古典精神的把握。
除了新品外,延續TAN MAY的設計,繼續推出了反應極佳的數款經典款,包括典藏雙格羊絨披肩,以雙織格設計伴隨大器的中國紅,不失尊貴的身分象徵、雍容時尚羊毛圈紗噴繪披肩,採用百分百羊毛,搭配最新圈紗工藝混合織法,呈現微蓬松感,再搭配不規則噴繪技術,撞色的結合穿搭出專屬於個人的風格特色,打造經典時尚藝術。
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最近台日兩地接二連三地舉辦各種創作者的原畫展,6-9月台灣有故宮的《千年一問》鄭問創作回顧展,9月在東京的國立新美術館有為紀念 #荒木飛呂彥 創作的《#JOJO冒險野郎》誕生30週年的原畫展「#JOJO冒險的波紋」,在銀座GGG GALLERY則有橫尾忠則在70年代為瀬戸内晴美(現・瀬戸内寂聴)撰寫的時代小說《幻花》所繪製的插畫原畫展。橫尾忠則的展覽也很值得看,日後我會再找時間分享,今天主要是想來聊聊博物館、美術館、藝廊這一波不約而同展出原畫的風潮。
我知道前陣子有些人對於「故宮展漫畫?」這件事有很多疑問。但其實世界知名的博物館展出漫畫早有前例可循。法國人喜歡漫畫,將漫畫視為第九藝術,法國 #羅浮宮 於2003年開啟一個有關漫畫的長期計畫:「#BDLouvre」,BD (Bande dessinée)是法國漫畫的意思,BD Louvre可譯為「當羅浮宮遇見漫畫」,不僅將漫畫的原畫當作藝術品收藏,甚至邀請世界各國的藝術家到羅浮宮裡創作原創作品,不僅可在閉館後空無一人的館內走動找尋靈感外,也能毫無限制地進出平常不太開放的展室,唯一限制的條件就是要以「羅浮宮」為主。邀來的漫畫家有法國漫畫家 Nicolas de Crecy、Etienne Davodeau、日本漫畫家荒木飛呂彥、#谷口治郎、#松本大洋等,作品集結成冊出版之外,也曾在歐日等地以「L’OUVRE 9」為名展出。後來2015年時此展巡迴來台灣的北師美術館,甚至邀請台灣漫畫家 #阿推、#麥人杰、#簡嘉誠 等人到羅浮宮進行創作,展出台灣限定的內容。
回到漫畫作品是否可進入藝術殿堂展出的疑問,其實漫畫如果看成是一個「角色」(character)育成的故事創作,那麼如 #村上隆、#奈良美智 這類從流行文化出發,擺盪於插畫與藝術間的 #NeoPop(日系普普)便可成為一種借鏡的對象。而回到鄭問與荒木飛呂彥的創作手法來討論,他們不約而同從藝術裡選擇自己有感的部分進行創作,鄭問可說集東西洋各派大成,他在製作原稿時,是在草稿上疊了宣紙重新以水墨描繪再去製版,而他畫水墨人物時用接近古典主義的厚彩技法,加入一些印象派的點描、或是野獸派的感覺用色,將東方水墨寫意與西洋畫派技巧融合得淋漓盡致,甚至時不時加入有趣的素材像是塑膠袋、砂畫等進行實驗,當代藝術流行的複合媒材創作也不外如是。
荒木飛呂彥則是受到義大利 #文藝復興 時期的諸多影響,被認為受到風格主義(文藝復興後期與巴洛克主義之間的一種風格)影響的漫畫家。如果你有看過《JOJO冒險野郎》一定會對當中人物各種奇妙的姿勢留下深刻印象,#其實這些姿勢都來自於文藝復興時期藝術家的雕刻姿勢,尤其當中最常借用的是米開蘭基羅的雕刻與畫作。而這次荒木飛呂彥的原畫展還有一個非常值得大家欣賞的特點,便是「顏色」。通常漫畫如果不是封面或是彩頁,比較難看見漫畫家對於顏色的想像,本次原畫展中,可以看見荒木飛呂彥的原畫中大量使用各種所謂「#玉蟲色」的技法。所謂玉蟲色便是彩虹色,源自於文藝復興時期的「#Cangiante」(換色法)技巧,當時因為顏料顏色不像現在這麼豐富,要表現明暗面就會簡單的在顏色中調入黑或白色顏料,但為了進一步增加畫面中的立體感,便會使用近似的顏色來表達物體明暗面。荒木飛呂彥活用了這種技法,因此你會看見人物或風景都充滿著高彩度的螢光色或亮色系,這種技法也是米開蘭基羅的拿手技巧。
而荒木飛呂彥與鄭問有個共通特徵,便是獨樹一格的 #透視分鏡,他們的漫畫有時候都必須要停留在某一頁很久才有辦法解讀畫面,奇詭之處又見超越想像之精妙,他們都開創了所謂漫畫的新藝術風格。此外,他們也都不侷限自己是漫畫家的身分,比如說鄭問受邀到日本擔任電玩遊戲的美術總監,除了各種精彩的人物美術設定之外,還讓他的繪畫風格透過現代技術能跨越世代國境繼續留存。荒木飛呂彥則是徹底與時尚結合,除了與 #GUCCI 合作櫥窗設計,將時尚單品畫進漫畫當中之外,仔細觀察他設定人物的服裝設計,不僅符合當代時尚流行文化之外也帶領新的時尚潮流,我很喜歡他人物設定當中所設計的鞋子,其實都很好看,如果有實體的話會想買。
鄭問展雖然已經結束,但據說未來會到台灣南部展覽,也會在世界各國巡迴,可以期待一下未來的展訊宣布。而荒木飛呂彥的原畫展已於上個月開幕,除了介紹《JOJO冒險野郎》好幾部曲的世界觀之外,也有與藝術家 #小谷元彥、#森永邦彥 等藝術家進行的跨界雕塑合作,最後一個展場則是荒木飛呂彥首次繪製一個12連幅的大型原畫作品《叛徒經常存在》,紀錄片中還可以看到他因為通常在桌面上進行漫畫創作的他,因不熟悉大型原畫的直立繪製方式不小心失誤的畫面。我不要爆太多雷,圖片只放可以拍照的區塊,如果沒辦法去的朋友,可以點一下留言處的日媒報導看一下現場照片。
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荒木飛呂彦原画展 JOJO 冒険の波紋
會期:〜2018年10月1日(一)
會場:國立新美術館 企画展示室2E
地址:東京都港区六本木7-22-2
時間:日〜四 10:00~18:00/五・六 10:00〜21:00
休館日:毎週二
#全預約制請先上網預約購票
#不然就是早一點到會場看有沒有當日票可以買
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