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拍攝食物攝影，我常會使用生活道具、花藝植栽..等，豐富餐桌畫面。
也有很多同學好奇花藝攝影的部分，因此在解鎖課程中，我與大家分享 #花藝情境 光影、配色、道具運用等拍攝技巧。
花藝跟食物都屬於靜物攝影，很多原則跟食物攝影是相似的。當我以花藝作品作為主角，拍攝時的建議事項：
①以平視角度拍攝：符合花在空間中的模樣
②以直幅拍攝：強調花藝向上延伸的線條，如果兩側留太多空白，會顯得空洞。
③善用自然光：花取自於大自然，用自然光容易捕捉花最美的一面；另外，拍攝花的細節就跟拍攝人像特寫一樣，盡量捕捉光打在花藝作品上最美的角度及紋理。
④利用生活道具營造情境：加入具有個人風格的道具，讓花藝融入生活的感覺。
如果想知道如何捕捉自然光拍攝、使用道具營造情境，歡迎你加入 #食物風格攝影課，我強調的不只是「拍食物」這個主角而已，而是利用它的周遭環境造型，賦予畫面一個故事。
歡迎跟著我，找尋自然光拍出有故事的餐桌風景吧
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修圖，是為照片增添靈魂氣息的重要的一環，根據不同的環境、想賦予的感受，給予不一樣的色調，或突顯浪漫的氣氛、或讓人感受時代的氣氛，透過光影色調的調整，來增強觀看者的感受。
iPhone本身自帶的相片編輯非常好用，大家可以進入編輯模式，替照片微調，也可以利用其他app，老師本身最常用的是VSCO、snapseed、黃油、美圖秀秀，人像則多了天天P圖。
像以下這張，是學員拍的照片，老師協助後製，用美圖秀秀把背景牆的瑕疵去掉，調整亮度、細節、對比、明暗，再加上濾鏡做微調，整體就更細緻了！
不過要特別注意的是，後製修圖並不一定能把廢片變成寶，在一開始拍照時，就要注意光線是否足夠？主體是否有對焦？構圖是否OK？因為很多細節，是後製也救不回來的，比方拍糊了，就是真的糊了……
這也是為什麼修圖課會放在第三堂，當你有一張基礎好的照片，透過後製才能達到更好的效果。這也是另一個秘密，明明都用同一個app拍照，同一個濾鏡，還是拍不出一樣的效果。
那是因為，拍照方法對了，用原相機也能拍出好照片，拍照方法沒抓到，用高階全幅單眼加大三元拍，還是拍不出高級感。
所以，基礎打好了，後製技巧跟上，一點點綴，就沒問題。
#職人講堂_手機美拍
四月份線下手機美拍課報名中，早鳥優惠不要錯過啦！讓老師帶著你，不用靠一堆佈景擺拍，只要就地取材，就能拍出吸引人的照。
第一堂4/10（六）靜物攝影
第二堂4/11（日）人像攝影
第三堂4/18（日）修圖技巧
早上11點到12點，一個小時的課程，老師帶你從0~1，幫你的手機相機施展魔法，讓你可以現學現賣，上手拍美照的心法，拍出點讚率高的照片！
單堂課$1000，三堂課早鳥價$2500(4/9截止)，另有專屬line群，指點你拍照技巧！
現在的手機拍照功能都很強大，和一台數位相機有得拼，甚至更好用，可以利用許多app進行後製、修圖，甚至是濾鏡，並且直接上傳社群網站和朋友分享當下的喜悅。
和文字不同，照片更能直觀的敘說「另一種故事和感動」。收到知心好友送的重要禮物，如果能夠拍出好看的照片給對方，那就是一種最棒的感謝；和家人一起出遊，當下的風景和家人們的開心，被永遠留存；孩子剛出生時，白白嫩嫩胖呼呼熟睡的樣子，一眨眼就過去了⋯⋯
以往要留下這些畫面，還要另外攜帶相機，現在，一支手機就夠了！打開、按下快門，光圈曝光補償對焦都不太需要，喀嚓一聲就是一張，甚至不擔心拍壞了浪費底片。那麼，這麼便利的技術，更要用起來，為自己留下各種美好的回憶呀！不需要專屬攝影師，也能捕捉剎那最美、最自然的幸福畫面。
拍出令人難忘的好照片不難，只要學會構圖、光影還有一點小技巧就行，學會善用你的手機，為自己和重要的人們留下珍貴的時刻，用相片紀錄日常點滴，也是一種幸福。
為日常的點滴加溫，來上課吧！不要再為別人的美照心動，你也可以拍出屬於自己的好照片。不一定為了什麼了不起的原因，僅僅是為了自己。
而這份拍照能力，也許在日後，就會成為你的「加分項目」，讓你能跨足的領域無界限。
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序 - 附著與穿越 曾敏雄
「不要跟隨道路的方向前進，走到沒有路徑的地方，留下足跡。」- 拉爾夫.沃爾多.艾默森
按下快門的當下，我們擁有的是什麼？是找到的驚喜？還是創造的滿足？
對於這個爭論，蘇珊.桑塔（Susan Sontag）在其《論攝影》（ON PHOTOGRAPHY）第五章中提到：攝影對於「認知」的辯論 —「要嘛作為一種簡單、準確的認知活動，一種有意識的理智行為；要嘛作為一種前理智的、直覺的邂逅模式」。這本攝影集裡的作品，充分體現了蘇珊.桑塔所說的有意識的理智行為以及直覺的邂逅模式。
這十位新一代的攝影家，背景各異，來自台灣南北各地，每個月會有一天聚集到台中我的工作室裡彼此討論作品，作為一個與他們討論的對象，我卻經常從他們的作品中找到新想法，或者是必須逼迫自己重新組織既有的觀念來更深入地解釋他們的作品，這過程往往得花上一整天，很累但也很過癮，我從他們身上學到的不少，他們努力不懈與積極的態度，再一次喚醒自己對攝影的熱情，這些都是我的養分，讓我的攝影一路能走到今天。
理智行為與邂垢模式
文波的作品《寂靜・低語》，從一開始他就非常地明白，這是一種去脈絡化的切片攝影行為，藉由再次觀看，重新建立起他的脈絡；風景攝影的描述，或許就屬安瑟.亞當斯（Ansel Adams）最為大家熟知，文波的作品少了亞當斯紀實成份的描述，卻多了抽象式的隱喻，他放棄照單全收的觀看方式，從現實具體的風景中逐漸轉換成他的切片，雪景的淡白一如曠野的濃黑，建構出安靜、低吟的話語來。
碧玲的《失衡》，抹去了紀實攝影的直觀式記錄，讓觀看的畫面滲入了作者私我的猶疑晃動，為第三世界日常的現實生活樣貌中，賦予一種略為脫離現實的無奈，而這無奈，一半來自真實的世界，一半來自作者心中的衝擊與無力感。
慶章的壯遊快門，一如寇德卡（Josef Koudelka）的流放地（Exiles)，他屏棄了畫面外的景物，只悄悄的告訴了觀看者這是作者在場的主觀抉擇，進而提出了一個隱晦的問題：「藉由照片，觀看者是否如同作者一樣在場？」我們不難在世界上知名的攝影家中找到這些存在主義色彩濃厚又帶點街頭快拍式的作品，在虛幻的場景變換游移當中，一如這些成熟的攝影家，慶章作品中微微的現實荒謬，有些淡淡的諷刺與寂寞，作者本人稱這些作品為《幻相》。
凌雲幻想式的畫面，彷彿一半在現實世界中矗立，一半在想像的世界中某個不知名的角落綻放，攝影在此脫離了最原始的記錄功能，將現實物從「眼見」轉換為「心見」，這種轉換的過程，日本攝影家中平卓馬形容為「詩意」，凌雲的「詩意」展現在不按牌理的景物框取，豐富卻又脫離現實的色彩表現，有點像是在大人成熟的眼光中卻又帶著小孩純真的思維來觀看。
惠民的《羅生門》，門的這邊是外面，是公共領域，門的那邊是裡面，是私有空間，門作為一種隔離內外的界線，它是清楚而不可侵犯，然而，惠民在日常踏查中卻發現，實際的情形是門裡面的土地被私人在沒有告知土地擁有者的情形下被開發利用，私自開發者用「門」來標示出他私人開發範圍的入口，而這入口恰恰好也標舉著私人與公共空間界線曖昧不明的證據，攝影在此作為一種觀察後的紀錄行為，方惠民的「羅生門」讓我們得以了解，在現代化的社會中，仍有私佔土地這種不可思議的現象存在。
信嘉的《自拍》作品，他舉了安東.契軻夫（Anton Chekhov）所說：創作者得誠實到...觀者無法逃避！在世界攝影史中，照片是否強大到具有讓觀者無法逃避這樣的力量另待討論，然而，信嘉特意在安排好場景後，只略為告知對象一些操作上的細節，便將快門線交給對方之後他便離場，讓對象自己面對鏡頭進而自己拍下自己身體的樣貌，在觀看這些作品之時，或許我們會先從窺視者的角色中得到快感，一開始想到的是「他們好勇敢啊」「她們的身體很美」... 慢慢轉變到「他們為什麼要這樣拍下自己呢？」「她們在按下快門的瞬間，腦袋裡想的是什麼？」「她們是如何看待自己的身體？」「我又是如何看待自己的身體？」若觀看者轉化到後面的思考行為，或許信嘉所說的透過觀看這群人，得以觀省自己的想法才能達成。
敏寬的《名牌花》，在全球化的浪潮之下，生產與消費，藉由傳播，我們對於日常生活中必需品的知名品牌耳熟能詳，在習慣於使用這些物品之後，或許我們堅信如此知名的品牌企業應該能永續經營，然而，時間與市場是無情的，不適者淘汰，敏寬採用了靜物攝影的方式，藉由「花的美好，卻仍舊凋零」，搭配了品牌的容器，暗喻了再怎麼美好的事物終有結束的一天，更重要的是，當品牌結束後，這些人造物容器的分解有些需要50年的時間，有些則需要超過百年以上，甚至比企業存在於這世界的時間更久，藉由敏寬的「名牌花」，或許我們會重新審視自己，在我們當一個消費者的角色時，我們更應該如何看待地球的資源與環境問題。
肇圀的《夾娃娃機》，2019年年底某天晚上十點多，我在金門金城鎮散步，看到一家亮晃晃的夾娃娃機店還在營業，或許還有更多家店開著也說不定，對於在純樸的金門這麼晚還看到這景象，不禁令人好奇：台灣社會需要這麼多的夾娃娃機店？或者，更深入的討論，台灣人的生活壓力大到需要這麼多簡單放鬆的時光？日本評論家飯澤耕太郎曾說，一個好的創作者，其作品經常能反映出一個時代，對於飯澤耕太郎所說「時代」到底需要多久時間才得以形成，我們無從定義，但若說台灣風靡夾娃娃機已經是某一個時期普遍的社會現象，則應該不至於是一個誇張的說法，只是，這種一窩蜂的現象到底能維持多久？我想沒人敢打包票，即便連夾娃娃機店的主人也是如此，正因為大家心知肚明，這只是一個現代社會快速變遷的現象之一，所以即便開店經營，索性就連招牌也不用了，於是到處看到店裡面是經營夾娃娃機，店招牌卻跟這一點關係也沒有的荒謬，形成了一個有趣特殊的社會現象，肇圀以嚴謹的社會地景拍法記錄下了這個曾經屬於我們這一代台灣人特別的記憶。
馨儀的《變裝者》，從變裝前的自我，到變裝後的他者，這「自我與他者」之間是否有一道界線？是在到達這條線之前，還是在這條線上，抑或跨過了這條線，自己將會變成一個陌生的他者？而這條線，是藉由化妝？服裝？還是因為在鏡頭關注（我們都處在鏡頭的這端觀看）下，就會喚醒心裡面的另一個人出現？或者，在我們日常生活中，或多或少都有配戴面具的時候，只有在變裝了之後，才是真實自我的展現？馨儀引述了羅蘭巴特（Roland Barthes）説的：「面對鏡頭，我同時是：我自以為的我，我希望別人以為的我，攝影師眼中的我，還有他藉以展現技藝的我。」 馨儀在很困難拮据的情況下，南北奔波，以肖像新紀實的手法告訴觀者，台灣一種次文化生活的樣貌。
志豪的《光世代》，引發了我的一個小小記憶，小時候我住在南部鄉下，每次上台北都是大事，記得傍晚時分遊覽車過新店溪之後，小孩子的眼睛對於都市的高樓與燈光總是充滿著好奇與憧憬，幾十年過去了，都市的燈光從照明的功能變得更迷離多樣，而現代人生活步調加快的速度亦不遑多讓。杉本博司的「劇院」系列，螢幕上一片空白，這片空白標舉出了機器（底片）與人眼的不同之處，人眼觀看之後產生記憶，於是我們有了電影的劇情轉換，機器（底片）缺少了記憶，於是只以紀錄的方式存在，最終形成一片空白，志豪的「光世代」，乍看之下雖然同樣是一片空白，但是這一片空白所標舉的，卻是現代人資訊氾濫爆炸的結果，當後一秒的資訊不斷的覆蓋前一秒的資訊時，你到底能留下多少訊息？當資訊不斷的覆蓋更迭，在生活步調急速加快的現代社會中，或許在我們腦海裡留下的只剩一片空白吧？！
留下足跡
「不要跟隨道路的方向前進，走到沒有路徑的地方，留下足跡。」在我與這十位新一代攝影家討論作品的期間，曾經引用艾默森的這句話來彼此鼓勵，在網路盛行的這個年代，我們很容易看見有這麼多新奇的想法已經用攝影的方式來表現了，換句話說，我們很難再找到一條沒有人走過的路徑，然而，正因為如此，或許我們可以轉個方向，用力一點，留下一點走過的足跡，這本攝影集正是這十位新一代攝影家的足跡印證，同時在台灣艱困的攝影大環境中，或許這本攝影集也能踩踏出一個小小的鞋印。
感謝張照堂，郭力昕與張世倫三位老師曾經與這十位新一代攝影家討論作品，同時更感謝照堂老師為這本攝影集定名「附著與穿越」，我想，這個書名，已然包含了書中所有作品的文本根基！
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